ИСКУССТВО ЯПОНИИ

Слово икебана в переводе с японского означает «новая жизнь цветов». «Ике» значит путь, а «бана» - цветы, таким образом, вместе выходит - новый путь, новая жизнь цветов. Срезая цветы, ветки, мы даем им новую жизнь, стараясь при этом не подражать природе.

Икебана зародилась в Китае в VII веке. Ее изобрел буддистский священник, изначально она служила в качестве приношения богам, Буддам и создавалась только монахами. Первоначально икебаны делали только мужчины. В настоящее время этим занимаются в основном женщины, но в древности этим занимались исключительно мужчинымонахи.

Впоследствии икебану переняли японцы, и, как это часто бывало, они переделали его на свой манер и развили это искусство. Сегодня японские и китайские икебаны значительно отличаются друг от друга.

Суть икебаны в создании композиции из цветов и веточек, которая находилась бы в гармонии, отражая связь между землей, небесами и человеком. Основа икебаны - это треугольник; самые высокие ветви символизируют небо, более короткие (2/3 длины от первых) - человека, и наконец, самые короткие веточки в треть длины первых - землю.

Икебана отражает взаимоотношения между этими тремя элементами. Трехсторонний порядок рождает в людях стремление к совершенству. Совершенства, к которому мы стремимся, в действительности нельзя достичь, так как идеала не существует. Совершенные отношения между небом, землей и человеком - это мир во всем мире, где никто не ссорится друг с другом.

При создании статьи были использованы материалы информационного проекта "Великая Эпоха".

Слово оригами переводится как «сложенная бумага». Оно означает также «искусство складывания бумаги для создания различного рода трехмерных фигурок и орнаментальны объектов». Оригами включает в себя как примитивные виды детских игр, так и весьма сложные художественные формы. Оно используется в некоторых японских церемониях и ритуалах, а также в чисто практических, образовательных и развлекательных целях.

В древности, когда бумага была в хроническом дефиците и, соответственно, стоила очень дорого, оригами как разновидность развлечений не практиковалось. По всей вероятности, применение его в этой ипостаси началось в эпоху Хэйан ( 794 - 1185). В эпоху Муромати (1333 - 1568) впервые было освоено складывание фигурок из бумаги (оригамок) без ее резания.

В эпоху Эдо (1600 - 1868) были разработаны новые технические приемы складывания, резания и окраски бумаги. К эпохе Тайсё (1912 - 1926) в стране уже имелись схемы для изготовления примерно 150 разнообразных оригамок.

Современное оригами дистанцируется от резания бумаги, создания бумажных скульптур и собирания фигурок из отдельных бумажных листов (кумигами). В общем и целом новое искусство творческого оригами не обращается к технологиям резания и окраски бумаги, и основной формой выражения своих идей считает кубическую.

Самый ранний из известных примеров использования оригами - катасиро, которых интенсивно «эксплуатировали» с незапамятных времен в синтоистских церемониях, устраивавшихся в храме Исэ. Катасиро представляли собой символические изображения божеств - козлов отпущения, которых вырезали из специальной бумаги - дзингу ёси (храмовая бумага). Они служили для собирания ритуальных нечистот и пагубных влияний и сжигались или отправлялись священнослужителями в плавание к низовьям рек для очищения прихожан.

Остатки этой практики до сих пор можно наблюдать во время разнообразных очистительных ритуалов с участикем человеческих фигурок, вырезанных из бумаги, и в мартовский праздник кукол, когда их бумажные воплощения выставляются на всеобщее обозрение.

В синтоистских очистительных ритуалах и для привлечения внимания божеств используются, далее, длинные и узкие, часто зигзагообразные бумажные ленты (гохэй, или сидэ). Попреимуществу они белого цвета, но встречаются и золотистые, и серебристые, и многих прочих оттенков. Священнослужители и мико (прихожанки синтоистских храмов) обычно привязывают гохэй к соломенным веревкам (симэнава), обозначающим священные участки.

Важную роль играет оригами и в области формального этикета. Существует множество способов складывания оберточной бумаги, в которую заворачиваются подарки, вручаемые во время разного рода церемоний или в особые дни годового календаря. В частности, для свадебных и похоронных обрядов требуются искусно сложенные бумажные орнаменты, например, бабочки обоих полов, которыми украшают бутылки с сакэ.

Оригами представляло собой и существенный элемент японских народных ритуалов. К примеру, технология складывания бумаги применялась при изготовлении носи (подарочная бумага с прикрепленным к ней ломтиком сушеного моллюска аваби, символизирующая счастливое событие) и тато (бумажный кошелек или коробочка, которых носили в передней складке кимоно).

На заключительном этапе эпохи Мэйдзи (1868 - 1912) и в эпоху Тайсё оригами использовали в качестве учебного пособия в детских садах и начальных школах. В начале эпохи Сёва (1926 - 1989) в японском образовательном процессе стали делать упор на развитие творческих потенций учеников, и оригами подверглось критике, ибо детям навязывались стандартизированные приемы обращения с бумагой.

Однако в недавние годы оригами снова начали высоко оценивать как техническое средство обучения. Особенно широко оно применяется для разъяснения таких концепций, как, скажем, концепция взаимоотношения плоскости и геометрического тела.

В различных частях мира можно обнаружить давние примеры складывания из бумаги тех или иных фигурок. Имеются свидетельства имитации технологии японских оригамок - ину (собак) в Испании, Англии, Франции для изготовления птичек, лошадок и курочек.

В последние годы число любителей оригами и ассоциаций оригами в Японии и за ее рубежами быстро растет. Ассоциации оригами функционируют в 14 странах, включая Соединенные Штаты, Англию, Италию, Голландию, Перу и Россию.

Под словом бонсай подразумевается искусство выращивать карликовые деревья в горшках, ставшее наряду с искусством составлять букеты "икебана", чайной церемонией "тя-но ю" (или "са-до"), воинскими искусствами каратэ и айкидо, одной из составных частей, формирующих традиционную культуру Японии.

Сама идея любоваться карликовыми деревьями пришла в Японию из Китая, где она зародилась в Х веке. В карликовых деревьях с причудливо изогнутыми сучковатыми стволами китайцам, жившим десять веков тому назад, виделись драконы, птицы, животные. Карликовые деревья находили дикорастущими в лесах и среди кустарников и пересаживали в горшки. В Китае до сих пор существует великое множество легенд и мифов о карликовых деревьях и их волшебных превращениях, и попрежнему высоко ценятся деревья с причудливой формой ствола и корней.

Бонсай были привезены из Китая в Японию в период Камакура (1185-1333) монахами буддийской школы Дзэн, которая учила видеть в малом великое. Идея "бонсай" в Японии претерпела ряд изменений и была одухотворена религиозно-философским мировоззрением, суть которого - достижение гармонии между человеком и Природой. В Японии бонсай превратился в искусство и приобрел изысканность, которой не было в Китае, где прежде всего ценилось сходство с драконами и животными, сотворенное самой природой.

К XIV веку бонсай стал одним из непременных атрибутов в аристократической среде, свидетельствующим о тонкости вкуса хозяина. Однако сами карликовые деревья в этот период все еще были порождением природы, выросшим в естественных условиях. В XVII- XVIII вв., когда японское искусство переживало новый этап развития, при пересадке в горшок дико-растущего карликового дерева листья и ветки, которого мешали проявиться во всей красе причудливо изогнутой форме дерева, удалялись. К этому времени бонсай завоевали популярность и среди широких слоев общества.

Со временем в бонсай появились различные стили. Мастера этого дела стали стремиться выразить в своих карликовых деревьях идеи философско-эстетического плана. Для достижения этого теперь они не только удаляли листья и обрезали ветки, но стали использовать дополнительные материалы, камни, некоторые другие растения и даже сооружали миниатюрные постройки, создавая таким образом в горшках своеобразную композицию.

В середине XIX в. слава о карликовых деревьях в керамических горшках разнеслась по странам Европы. Спрос на бонсай вырос и на Западе. Среди дикорастущих деревьев и кустарников невозможно было найти карликовые деревья в количестве, удовлетворяющем спрос всех желающих, и тогда разведение карликовых деревьев было поставлено на "промышленную" основу, появились специалисты, выращивающие молодые растения таким образом, чтобы они приняли форму карликовых деревьев. Для этого использовались проволоки, подпорки, насадки и т.п. Были созданы рассадники, в которых выращивались и видоизменялись, принимая желаемую форму, растения и деревья, приспособленные к выживанию в других климатических условиях.

Однако сами японцы по-прежнему предпочитают "традиционные" растения: сосны, азалии и клены, а искусство выращивать карликовые деревья и создавать композицию в горшке считают одним из традиционных, поскольку оно дает возможность выразить основную мысль, лежащую в основе философско-эстетического сознания японцев, - мысль о том, что в малом надо видеть великое, а в обычном - удивительное.

В Японии, как и в других странах китайского культурного ареала, каллиграфия (сёдо) считается одним из видов изящных искусств. В Китае, родине восточно-азиатской традиции каллиграфии, эта последняя рассматривалась вместе с поэзией и живописью непременным атрибутом каждого культурного человека, и по качеству почерка определяли характер пишущего. Благоговейное отношение к каллиграфии в Японии, по сути, является отражением ее статуса в Китае.

История японской каллиграфии начинается с внедрения в страну китайской системы письма примерно в V в. н.э. Сначала японцы писали по-китайски, но вскоре они применять китайские иероглифы, или кандзи, по-новому, с тем чтобы адаптироваться к требованиям их родного языка. Поэтическая антология "Манъёсю" (середина VIII в.), например, была написана китайскими иероглифами, которые передавали либо значения японских слов, либо японские слоги. Последний, фонетический метод письма известен теперь как манъёгана. Эта практика в конце концов привела к созданию в начале IX в. японской слоговой азбуки (кана), которая применялась либо в "чистом" виде, либо в комбинации с китайскими иероглифами. В X в. письмо с использованием слоговой азбуки приобрело широкое распространение и после XI в. стало основной формой каллиграфии. Тем не менее китайский язык в течение долгого времени сохранял статус литературного языка средневековой элиты, да и гораздо позднее не утрачивал своей популярности, пусть и не в прежних масштабах.

Практикуются несколько стилей написания китайских иероглифов (сётай ), отражающих исторический процесс развития письма в Китае. Тэнсё, или архаический стиль, традиционно применялся для изготовления официальных печатей. Рэйсё, или канцелярский стиль, предназначался для официальных документов. Это очень древние китайские стили, и они не были в широком ходу вплоть до эпохи Эдо (1600 - 1868), когда изучению истории Китая стали придавать особо большое значение. Более употребительным является кайсё, или прописсной стиль. Популярность его объясняется тем, что иероглифы при этом легко узнаваемы. Гёсё, или "бегущий стиль", основывается на убыстренном движении кисти и оборачивается, следовательно, некоторыми сокращениями черт иероглифа. Этот стиль часто используется для неформальной переписки. Сосё, или "травяное писание", - настоящий "курсивный" стиль, когда сокращаются или соединяются части отдельных иероглифов, что превращает написанное в плавно изгибающиеся линии. При Сосё могут возникать различия в размерах отдельных иероглифов, а кое-какие из них могут как бы сливаться друг с другом, образуя ритмические и даже художественные формы.

В отличие от стилей написания орудия каллиграфии очень мало изменились с тех дней, когда это искусство появилось на свет. Существуют два основных вида кистей: футофудэ (толстая кисть) и хософудэ (тонкая кисть). Первая обычно используется для написания самого текста, вторая - для надписей и подписей в конце текста, а также для изображения иероглифов малого размера или для изящного "курсивного" стиля.

Суми, или китайская тушь, как правило, изготовляется из древесной сажи или масла, смешанного с рыбными костями или клеем из шкур животных, и высушивается, превращаясь в палочку. Для "разжижения" палочки ее трут о чернильный камень (судзури), на одном конце которого имеется углубление для воды, постепенно чернеющей по мере натирания. Суйтэки - небольшая капельница из керамики или металла - завершает набор орудий. Хранятся они в лакированной и нередко изысканно украшенной коробочке (судзурибако).

Значительный вклад в эволюцию каллиграфии эпохи Хэйан, в осознание ее как эстетической категории внес монах Кукай (774 - 835). Он и его современники - император Сага (786 - 842) и придворный Татибана-но Хаямари (ум. 842) - запомнились следующим поколениям как Сампицу ("Три кисти"). В эту же эпоху произошел переход каллиграфии от жесткого копирования китайских стилей к ее творческой ассимиляции в ткань японской культуры, чему немало способствовала еще одно "трио" - Оно-но Тофу (894 - 966), Фудзивара -но Сукэмаса (944 - 998) и Фудзивара-но Юкинари (972 - 1028). Эпохи Камакура и Муромати были отмечены появлением школ Сэсондзи с ее преувеличенной манерностью и Сорэнъин, проповедовавшей возвращение к традиционному стилю. В эпохи Адзути- Момояма и Эдо прогрессу японского стиля каллиграфии (ваё) в немалой степени способствовали Хонами Коэцу (1558 - 1637), Коноэ Нобутада (1565 - 1614) и Сёкадо Сёдзё (1584 - 1659). Китайский стиль (караё) "продвигали" Хосои Котаку (1658 - 1735), Рай Санъё и Сакума Сёдзан (1811 - 1864). В настоящее время искусство каллиграфии продолжает процветать, и ее образцы наряду с образцами живописи и скульптуры присутствуют на выставках Ниттэн, спонсируемых государством.

Танцы обозначаются словом "буё", состоящим из двух иероглифов, первый из которых (бу или май) характеризует древние и средневековые танцы (до 1600 г.), а второй (ё или одори) - танцы эпохи Эдо (1600 - 1868). Май, таким образом, относится в основном к придворным и наиболее изысканным театральным танцам, а одори - прежде всего ко всем народным танцам и танцам кабуки, появившимся в Эдо (теперешний Токио).

Существует также громадное множество региональных танцев. Разнообразие традиционных японских танцев затрудняет их классификацию, но большинство формирует категорию так называемых "закрытых танцев" с мягкими сдержанными движениями щиколоток, рук и головы и оценивается, скорее, в зависимости от степени эстетического совершенства, чем от символического значения. Простейшие жесты должны были демонстрироваться с учетом таких утонченных эстетических идей, как ма - наблюдавшемуся и ощущавшемуся интервалу между двумя танцевальными движениями или позами.

Старейшей японской танцевальной формой является кагура, ведущая свое происхождение от мифа о танце богини Амэ-но Удзумэ, с помощью которого она выманила из Небесного Грота богиню Аматэрасу Омиками. Все синтоистские храмовые танцы развились из кагура, и ее влияние до сих пор можно лицезреть в театральных танцах, особенно в танцах кабуки.

Первой зарубежной музыкально-танцевальной формой, укоренившейся в Японии в начале VII в., был мим-гигаку, пришедший с азиатского континента и включавший танец со львом. За ним последовали новые музыкальные (гагаку) и танцевальные формы (бугаку), воспринятые японским императорским двором из Китая и Кореи. К разряду бугаку были причислены и древние японские танцы (ямато май, адзума асоби и госэти-но май). Танцоры бугаку (как правило, мужчины) выступали в масках и красочных костюмах. В VIII в. из Китая прибыли тока ("песни с притоптываниями") и сангаку (цирковые представления с акробатическими номерами). Сангаку способствовало дальнейшей эволюции гагаку и появлению саругаку и дэнгаку (придворно-храмовые представления с танцевальными элементами). Формой драматическо-танцевального представления cледует считать и эннэн. Танцевальный элемент в данном случае превалировал: репертуар включал тиго май (танцы мальчиков), сира-буёси (придворный танец - песня девушек) и фурю (придворный танец с диалогом императора со своим министром).

В эпоху Камакура (1192 - 1333) саругаку послужило основой создания театра Но. Акцент на музыку и танцы в его спектаклях подчеркивался включением кусэмай (танец с сильным идиосинкразическим ритмом и напевными мелодиями). С течением времени этот танец, естественно, видоизменялся, но кое-какие оригинальные черты (интонация песнопений Но, метрический рисунок хиранори - три слога распеваются на два такта) сохраняются до сих пор. В структуре спектаклей Но специально предусмотрены сцены, создающие предлоги для танцев с общим наименованием майгото. Движения в этих танцах складываются из множества форм (ката), которые варьируются от одной школы к другой.

Параллельно с Но большую популярность в высших эшелонах японского общества обрели фарсы - кёгэн с короткими и не привязанными к сюжету танцами - комай. Их ката более реалистичны, чем ката в танцах Но.

Из других средневековых танцев следует назвать ковакамай, исполнявшийся тремя мужчинами с пением текстов из военных романов под аккомпанемент двух барабанов и флейты, хаясимай (общее название для ряда народных и праздничных танцев) и нэмбуцу одори - буддийский магический танец, заметно повлиявший на многие последующие формы, в том числе и на бон-одори (танец, исполняющийся в дни поминовения умерших).

Первые танцы кабуки, которых монополизировали женские труппы в Киото на заре XVII в., являлись адаптациями нэмбуцу-одори. Кабуки юношей (вакасю кабуки) приобрели известность после 1629 г., когда женские труппы были запрещены. В 1652 г. место вакасю кабуки заняли яро кабуки (кабуки зрелых мужчин), унаследовавшие от фарсов - кёгэн танцы - комай и добавившие к ним сюжеты и технологии театра Но, кукольного театра Бунраку и народных танцев. За рамками танцев кабуки развились многие другие формы. Это особенно касалось Эдо, где возникли такие танцы, как новогодний харугома и излюбленный гейшами нивака.

После реставрации Мэйдзи весьма важным событием в рассматриваемой области явилось зарождение движения "Нового танца" (синбуё), благодаря которому женщины были допущены к танцам кабуки (вне спектаклей) и возникли разные танцевальные школы (почти 170 в настоящее время).

Процветанию традиционных танцев не мешает авангардистское направление (буто), офор- мившееся во второй половине XX в.

Формирование чайной церемонии (тяною) как одного из величайших явлений японской культуры происходило в очень тяжелое, смутное для страны время, когда междоусобные кровавые войны и распри феодальных кланов делали жизнь людей невыносимой. Чайная церемония возникла под влиянием эстетики и философии дзен-буддизма и стремилась противопоставить настроению безысходности поклонение Красоте.

В те времена властители из военного сословия и богатые торговцы, собираясь для политических и торговых дискуссий, часто пользовалисьслучаем для того, чтобы подать чай. Считалось утонченным удовольствием сидеть на досуге в тихой чайной комнате, отстранившись от жизненных забот и волнений, и внимать звукам воды, кипящей на жаровне. Великий учитель Сэн-но-Рикю возвел чаепитие в искусство. Он смог развить искусство чайной церемонии в том виде, в котором он это сделал, отчасти из-за существовавшего вышеупомянутого социального фона.

Чайная комната, сооруженная Сэн-но-Рикю, на первый взгляд казалась очень простой и даже слишком маленькой. Но планировалась она самым тщательным образом, с тонкой разборчивостью, вплоть до самой мельчайшей детали. Она была оформлена скользящими дверями, покрытыми белоснежной полупрозрачной японской бумагой. Потолок был отделан бамбуком или тростником, а открытая фактура стен высоко ценилась. Опоры в большей своей части были деревянными, сохраняющими свою естественную кору. С целью создать эффект жилища отшельника при оформлении чайной комнаты все бесполезное убранство и чрезмерные украшения были отброшены.

Сегодня чайная церемония - это наиболее самобытное, уникальное искусство. Она играет важную роль в духовной и общественной жизни японцев уже на протяжении нескольких веков. Со временем ритуал проведения чайной церемонии канонизировался, заданными стали последовательность действий и поведения. Уже войдя в простые деревянные ворота, гости погружались в особый мир, оставляя за спиной все мирское и в молчаливой сосредоточенности подчиняясь лишь законам действа.

Классическая тяною - это строго расписанный ритуал, в котором участвует мастер чая (человек, который заваривает и разливает чай) и остальные участники церемонии. По существу мастер чая - это жрец, совершающий чайное действо, остальные - приобщающиеся к нему. У каждого свой определенный стиль поведения, включающий как позу при сидении, так и каждое движение, вплоть до выражения лица и манеры речи.

Во время чаепития произносятся мудрые речи, читаются стихи, рассматриваются произведения искусства. Для каждого случая с особой тщательностью подбираются букеты цветов и специальная посуда для заварки напитка.

Соответствующее настроение создает и сама обстановка, которая на удивление проста и скромна: медный чайник, чашки, бамбуковая мешалка, ящичек для хранения чая и т. п. Японцы не любят ярких блестящих предметов, им импонирует матовость. Д. Танидзаки пишет по этому поводу: «Европейцы употребляют столовую утварь из серебра, стали либо никеля, начищают ее до ослепительного блеска, мы же такого блеска не выносим. Мы тоже употребляем изделия из серебра... но никогда не начищаем их до блеска. Наоборот, мы радуемся, когда этот блеск сходит с поверхности предметов, когда они приобретают налет давности, когда они темнеют от времени... Мы любим вещи, носящие на себе следы человеческой плоти, масляной копоти, выветривания и дождевых отеков». Все предметы для чайной церемонии несут на себе отпечаток времени, но все безукоризненно чисты. Полумрак, тишина, самый простой чайник, деревянная ложка для насыпания чая, грубая керамическая чашка - все это завораживает присутствующих.

Самым важным элементом в интерьере чайного домика считается ниша - токонома. В ней обычно помещен свиток с живописью или с каллиграфической надписью и ставится букет цветов, курильница с благовониями. Токонома располагается напротив входа и сразу же привлекает внимание гостей. Свиток для токонамы подбирается с особой тщательностью и является непременным предметом обсуждения во время церемонии. Он написан в дзенбуддийском стиле и такой архаичной каллиграфией, что немногие могут разобрать и понять смысл написанного, например: «Бамбук зеленый, а цветы красные», «Вещи есть вещи, и это прекрасно!» или «Вода есть вода». Присутствующим разъясняется смысл этих изречений, внешне простой, но в то же время очень глубокий в философском отношении. Иногда эти мысли выражены в поэтической форме хайку, иногда отражены в картине старого мастера, как правило, с соблюдением принципа «ваби».

В Японии уществует множество форм чайной церемонии, но строго установлено лишь несколько: ночной чай, чай с восходом солнца, утренний чай, послеобеденный чай, вечерний чай, специальный чай.

Ночной чай начинается при луне. Гости приходят примерно в половине двенадцатого и уходят около четырех часов ночи. Обычно заваривают порошкообразный чай, который готовят на глазах у гостей: листья освобождают от прожилок и измельчают в порошок в ступе. Такой чай бывает очень крепким, его не подают на пустой желудок. Поэтому сначала гостей немного угощают различной едой. Чай с восходом солнца пьют около трех или четырех часов утра. Гости остаются при этом до шести часов. Утренний чай практикуется в жаркую погоду, гости собираются к шести часам утра. Послеобеденный чай обычно подается только с пирожными примерно после часа дня. Вечерний чай начинается около шести часов вечера. Специальное чаепитие (риндзитя-ною) устраивают по каким-либо торжественным случаям: встреча с друзьями, праздники, смена времени года и т. п.

По мнению японцев, чайная церемония воспитывает простоту, естественность, опрятность. Это, конечно, так, но в чайной церемонии заключено и нечто большее. Приобщая людей к точно установленному ритуалу, она приучает их к строгому порядку и безусловному исполнению социальных правил. Чайная церемония является одной из важнейших основ культивирования национальных чувств.

Самые ранние произведения живописи на Японских островах были обнаружены архиологами в курганных захоронениях на острове Кюсю, относящиеся к V-VI векам. Собственно искусство живописи связано с распространением буддизма, и большинство памятников несет следы влияния китайского стиля эпохи Тан. Самым значительным произведением живописи эпохи Нара был цикл настенных росписей в Кондо Хорюдзи (VII - начало VIII вв), изображавших сцены буддийского рая. Религиозная живопись периода Хэйан в значительной части представлена геометризированными композициями - мандала, символизировавшими устройство мира. К XI веку относятся великолепные росписи в Павильоне Феникса (Хоодо) монастыря Бёдоин в Удзи на тему сошествия Будды Амиды на землю.

Выдающимся произведением первой половины XII века были исполненные на горизонтальных свитках эмакимоно в стиле живописи ямато-э ("японская живопись") иллюстрации к роману Мурасаки Сикибу "Гэндзи моногатари", приписываемые художнику Фудзивара Такаёси. В XIV-XV веках центральное место заняла монохромная живопись суйбоку-га или суми-э. В значительной степени это было связано с широким распросранением буддизма Дзэн и усилившимся китайским влиянием. Монохромная живопись у первых дзэнских художников, таких как Као Нинга, Гёкуэн Бомпо, Минтё и других была первоначальным освоением техники использования туши и сложившегося в Китае типа пейзажа сан суй. Во второй половине XIV и в начале XV веков пейзаж стал ведущим жанром монохромной живописи. Самым выдающимся художником-пейзажистом был Тойо Ода, известный под псевдонимом Сэссю (1420-1506).

Искусство Сэссю - яркий пример того, как зародившиеся в Китае художественные идеи и формы были переплавлены национальным сознанием и стали выражением миросозерцания, свойственного японской культуре ( "Пейзаж в стиле хабоку", "Зима", "Осень"). К 14-15 векам относится сложение школ живописи, существовавших до нового времени: Тоса, продолжавшей традиции ямато-э (ее основателями считаются Тоса Юкимицу и его сын Тоса Юкихиро) и Кано (ее основатели Кано Масанобу и Кано Мотонобу).

Шестнадцатое столетие стало временем высокого расцвета монументальной живописи Японии. В возводимых правителями страны замках стены парадных комнат были украшены росписями по золотому фону, поражая невиданной роскошью. Первым художником, приглашенным для выполнения этих работ был прославленный Кано Эйтоку (1543-1590). Позднее стиль Эйтоку был подхвачен и освоен не только его непосредственными учениками, но и многочисленными мастерами других школ.

XVII-XVIII века время творчества двух выдающихся живописцев Таварая Сотацу и Огата Корина, создавших шедевры мирового значения (свитки Сотацу "Олени", росписи ширм по мотивам "Гэндзи моногатари", ширмы Огата Корина "Ирисы", "Красное и белое дерево сливы"). Сотацу и Корин считаются основателями школы Римпа. В течение XVI-XVII веков складывается городская культура. Одним из самых ярких ее проявлений, выражавшем самосознание горожан, наряду с театром была жанровая живопись (фудзоку-га), где впервые в истории японского искусства получила отражение реальная действительность. Школа укиё-э стала развитием более ранней традиции жанровой живописи, а сам термин, имевший буддийский смысл "бренный", "преходящий", стал теперь обозначать мир земных радостей. Ярким явлением в живописи XVIII века была школа Нанга или Бундзинга ("живопись интеллектуалов"). В школе Маруяма-Сидзё, ориетировавшейся на метод "ся сэй", то есть верности натуре, самой крупной фигурой был Маруяма Окё.

Реставрация Мэйдзи, выход Японии из самоизоляции открыли принципиально новый этап в развитии культуры. Активная вестернизация всех сторон жизни захватила и сферу искусства, в том числе живопись. Наряду с традиционными школами, которые стали обозначать термином нихонга, стала развиваться живопись европейского стиля - ёга, в которой на рубеже XIX-XX веков было несколько направлений, нередко противостоявших друг другу в своих творческих установках. В 20-х годах против реалистических тенденций выступили сторонники фовизма, кубизма, сюррреализма и других авангардистских течений.

Художники нихонга, хранившие многовековые традиции, пытались развивать их в новых исторических условиях, стремились к обновлению всей живописной системы, поиску вневременных эстетических ценностей в искусстве прошлых веков, доказывая жизнестойкость и неувядаемую ценность классического наследия.

После войны вся японская культуры испытывала большое воздействие со стороны европейских стран и США. Большое распространение получил экспрессионизм, сюрреализм, абстракционизм. Но усиливались и прогрессивные тенденции, борьба за возобновление запрещенных во время войны объединений и демократические свободы. Возникла идея создания так называемого "смешанного стиля" в живописи, объединявшего методы ёга и нихонга. Наиболее значительным результатом работы художников этого стиля была серия панно "Ужасы Хиросимы" Ири и Тосико Маруки (1947 - 1955).

В настоящее время произведения японских художников хранятся во многих крупнейших музеях мира, а выставки японской живописи неизменно вызывают большой интерес публики.

Японский театр отличается большим жанровым многообразием. В Японии можно увидеть спектакли, созданные еще в 8 веке и ультрасовременные постановки. Токио принадлежит к крупнейшим мировым театральным центрам. Здесь действует японское отделение Международного института театра при ЮНЕСКО, устраиваются многочисленные гастроли театральных коллективов и отдельных мировых знаменитостей, проводятся международные конкурсы балета, конференции и симпозиумы по проблемам театрального искусства, мастер-классы по пластике традиционного театра, на которые съезжаются актеры и режиссеры из многих стран мира. В Токио есть Театральный музей с богатой коллекцией и библиотекой. За 20 столетие в Токио возведено немало первоклассных театральных зданий, среди которых следует указать в первую очередь Национальный театр (1966) и Новый национальный театр (1997). Японское театральное искусство подразделяется на несколько крупных форм. Это традиционный театр, театр современной драмы (Сингэки), коммерческий театр и современный музыкальный театр.

Самыми выдающимися формами традиционного театра являются Но (Ногаку) - синто- буддийский средневековый мистериальный театр масок; Кабуки - театр позднего средневековья для ремесленников и купцов, играющий остросюжетные историко-героические и бытовые драмы преимущественно; и Бунраку - театр больших кукол, расцветший параллельно с Кабуки (17-18вв.), лучшие произведения для которого написаны японским Шекспиром - Тикамацу Мондзаэмоном. Общее для трех этих форм состоит в том, что они имеют развитую драматургию, включенную в 20 веке в классическое наследие японской словесности. Традиционно все три формы - мужской театр, где было запрещено играть женщинам, но в последние десятилетия активизировалось стремление японских женщин овладевать пением и пластикой театра Ногаку и в конце 20 века в этом театре возникла женская школа. Специфической особенностью японского традиционного театра является также и то, что он функционирует как высокопрофессиональный репертуарный и одновременно включен в систему японских национальных праздников «мацури», в которых принимают участие не только профессионалы, но и самодеятельные силы любителей. Со второй половины 20 столетия традиционный театр получил статус «мирового», став репрезентативным японским искусством - перл, который Япония дарит человечеству. Труппы традиционного театра ведут широкую международную гастрольную деятельность.

Наиболее старинными развитыми формами японского театра являются также Гигаку, Кагура, Бугаку - жанры раннесредневековых танцевальных пантомим в масках, относящиеся к 8 веку и более раннему времени. Эти представления можно видеть в современной Японии главным образом во время национальных праздников и фестивалей искусств в форме реконструкций старинных спектаклей. К разряду традиционного театра относятся и японские национальные танцы «буё», возрождение которых приняло в последние десятилетия небывалый размах.

Движение за создание театра современной драмы Сингэки («новый театр») возникло в последней четверти 19 в. на волне освоения евро-американской культуры и к 40-ым годам 20 столетия уже были созданы многожанровая современная драматургия и драматический театр, представленный разнообразными труппами. Крупнейшими театральными коллективами Сингэки, признанными к настоящему времени классическими, являются труппы Бунгакудза (Литературный театр), Мингэй (Театр масс) и Хайюдза (Актерский театр). К 80-ым годам 20 в. внутри Сингэки возникает протестное молодежное течение, объявившее войну «застою и рутине в театре» и создавшее театральный авангард. Самыми крупными представителями театрального авангарда явились режиссеры Тадаси Судзуки, Сюдзи Тэраяма, Дзюро Кара, Сёго Ота. А самым оригинальным и специфически «японским» жанром театра авангарда стал пластический театр Буто, созданный выдающимся мимом 20 столетия, имевшим мировое признание, Тацуми Хидзиката (1928-1986). Он опирался на сюрреализм и дадаизм и создал адекватный им сценический язык. Его последователями в настоящее время являются Кадзуо Оно, Акадзи Маро, Усиё Амагацу.

Коммерческому театру только в Токио принадлежит более 35 театральных зданий вместимостью свыше 500 мест. Лидирующее место здесь занимают мюзиклы, японские, но преимущественно - зарубежные. В Японии есть современный музыкальный театр, симфонические и камерные оркестры, оперные и балетные труппы. Ежегодно в стране проводится несколько десятков театральных фестивалей.